Marc Jacobs和巴西男友Lorenzo Martone订婚了！这条消息一经证实便在时尚圈引起了轰动，其爆炸性令3月初落幕的2009年秋冬时装周顿时黯然失色。身为LVMH财团冠名品牌Louis Vuitton的创意总监，Marc Jacobs的一举一动都是焦点，与现任男友Lorenzo交往一年后，Marc答应了他的求婚，并随后前往巴西圣保罗拜见自己未来的婆婆。在常人眼里，这一连串动作或许太过于高调，毕竟同性恋婚姻在全球范围内仍未获得异口同声的认可，但Marc丝毫不理会这些，“我就是爱引人注目”。

此次的订婚行动看似水到渠成，其实酝酿已久，早在去年7月fashionista.com便爆料Marc Jacobs将与男友Lorenzo“闪婚”（当时他们只交往了3个月），但Louis Vuitton的发言人称“这是一条彻头彻尾的谣言”，然而事隔半年，Marc亲自向媒体公布了自己订婚的喜讯。“他是这个世界上最完美，最风趣，最英俊的男人”，沉浸在订婚喜悦中的Marc在谈到男友时就像一个顽皮的孩子，“他让我的生活变得和以前不一样了，因为当你和一个相貌堂堂，才思敏捷的人朝夕相处时，你必定会受到他的影响，你的思维，你的工作都能反映出你的私生活处于怎样的状态，如果你脑子转的很灵，工作很卖力，证明你头一天晚上一定睡的很安稳”。

两年前，为了赢回前任男友Jason Preston的心，Marc Jacobs毅然改头换面，剃掉了贵宾犬一样的邋遢长发，摘掉了Geek的黑框眼镜，成功甩掉40磅的体重，“怪蜀黍”摇身变成了帅小伙。尽管与Jason的点滴早已成为过去式，但耳目一新的形象确实给Marc注入了一股仿佛新生般的原动力。“就好像是一夜之间，我忽然对自己非常满意，看到现在镜子中自己的模样我很开心。我可以在浴室里一待就是几个小时，要知道以前冲凉5分钟我就可以搞定。但现在呢，我很享受给头发涂洗发水，给身上抹润肤露的过程。换做以前，这些是我想都不敢想的。有一天趴在地板上画草图的时候，我问自己‘我看起来是什么样’真的有那么重要吗？’，然后我发现确实是这样。今天早上我才去做了一次美甲和足部保健，那种感觉棒极了！”

所谓“女为悦己者容”，然而一个男性同性恋的臭美之心显然不会低于任何一个女人。尽管已经年届45，Marc Jacobs仍旧大无畏地朝着自己的第二次青春猛烈冲刺，他把自己的外形塑造成了卡通动漫里的无敌英雄：古铜色的肌肤，结实饱满的肌肉，以及他新近增添的狂热嗜好----硕大而璀璨的珠宝。曾经的他在国际时尚圈崭露头角时，媒体纷纷称赞其为“天才”，但这种“天才”会瞬间会淹没在人群里沦为路人甲，哪怕是服务于一个价值50亿美元的品牌。如今这种只懂做衣服，不善于经营自己的设计师已经不再吃香，也不符合时宜。《金枝欲孽》里有一句话，“皇后光凭宅心仁厚，吃斋念佛是当不成皇后的”，意为任何人如若想攀爬到顶峰做人上人，需要的不仅是埋头苦干的表面功夫，还必须具备勾心斗角的智慧和笑里藏刀的灵活手腕。在当今看来，这种手腕即为一种敢于炒作自己，制造噱头的勇气与本事。

“Marc是一位非常了不起的设计师，他的创作天分是一般人无法匹敌的，同时他也懂得怎样与媒体打交道，怎样充分运用媒体为自己造势”，美国VOGUE主编Anna Wintour认为Marc Jacobs从来都不是省油的灯，只是这种精明与世故在近两年由暗转明，呈现出愈发显著的势态。他把一款鸵鸟皮手袋命名为“BB”，暗指那位疯狂炒作自己的易装癖患者BryanBoy。他让Madonna在广告片中大秀苦练多年的普拉提，把Victoria Beckham塞进巨型的购物袋，每个明星都能甘之如饴地任其摆弄。你说这是他的功力深厚也好，是明星给他的面子也罢，事实终归胜于雄辩。

去年，在一次关于其同名品牌香水Daisy的市场调查中，当一众出入于沃尔玛超市的女性被问及是否听说过Marc Jacobs时，很多人都表示听说过，但当具体问到他的职业时，很多人的回答是“他是一位摇滚歌星”，“他是一名演员”，而鲜少有人会说“他是一名时装设计师”。诚然，她们不太爱VOGUE，更乐于翻阅OK！或者GRAZIA这样的八卦娱乐杂志，“Marc叼着一根香烟，与XXX出入于XXX盛装派对”，“Marc又与XXX传出绯闻”。他似乎从未消停过，他不需要别人来八他的卦，就有无数话题供媒体挑选，供大众品读。

“有一样东西，我爱它胜过一切，那就是被关注的每分每秒”，Marc Jacobs直言不讳自己喜爱被追捧的感觉，但同时他也并未觉得自己段位有多高，“就算你了解艺术，懂得时尚，你仍然就是个普通人。你过着光鲜的生活，穿着漂亮的衣服，你同样还是会经历生老病死的一切，所以我一直信奉的哲言就是‘乐在其中’。有人善意地告诉我不要在Pastis餐馆的露天区吃饭，‘那里的狗仔队比蚂蚁还猖狂’，我其实一点也不介意这些。你身在一个被镁光灯聚焦的圈子却又讨厌被拍照的感觉，这不是自欺欺人吗？我倒是非常乐意扮演这样的角色”。



今年1月份，Marc再次先声夺人，为自己的2009迎来了一个赤裸裸的开门红，为了向已故设计师Stephen Sprouse致敬，他特地重新推出与Stephen在2001年合作的涂鸦系列，自己则亲身上阵，全裸出镜，担任这一新系列的宣传模特。“Terry Richardson把我拍的很棒，你知道，我对于这些（指在镜头前宽衣解带）已经习以为常了”，然而在谈到昔日好友Stephen时，Marc立刻严肃了起来，“Stephen是个天才，他在自己的早期作品中就打破了时尚，音乐和绘画之间的屏障，所以我们这次尝试把一些典范设计用全新的时尚语言表达出来，可以是稍加破坏的，也可以是朋克等比较街头化的东西”。

Marc Jacobs热爱各种各样的文化，他最擅长将世俗的市井文化与高级时装相嫁接，即所谓“向贱民学穿衣”。“我从来不会在智力上与时装抗衡，我只会做能够拿得出手的真东西。当时装变得越来越现代，每个人都在钻研剪裁和手工时，我不会走这样一条路。很多事物就在你身边，只是你没有留心去观察。我不需要什么挑战，我只看重真情实感”。在与拼贴艺术家Richard Prince的合作过程中，Marc打造出一群穿着透视装的性感护士形象，并且将色彩俗艳的喷绘艺术和一些恶搞的通俗笑话作为唯一卖点。日本艺术家村上隆则与Marc有过多次密切而成功的合作，2003年村上隆用33种不同的糖果色取代了Louis Vuitton Monogram手袋惯用的金色，2005年的“Monogram Cerises”系列，他给樱桃画上五官，作为Monogram手袋的全新LOGO，去年夏天他再一次选用橄榄绿的迷彩色调与Louis Vuitton联合推出“Monogramouflage”的箱包系列。

然而忧患总是会滋生于声名显赫之处，这些能够被普罗大众“读懂”的奢侈品早就被制假商贩虎视眈眈，Louis Vuitton的假冒伪劣货一直出没于各个人潮涌动的街头巷尾，与其公然打假而获得的收效甚微，Marc Jacobs显然酝酿出更为高明的对策。他效仿姑苏慕容的独门绝技，“以彼之道，还施彼身”，在纽约布鲁克林博物馆内搭起夜市里随处可见的折叠式推车店铺，将Louis Vuitton的手袋像卖猪肉一样挂在门梁上，或者干脆摊在地上，以一种极尽伪劣的方式贩卖真实，具有强烈的讽刺与自嘲意味。

“我从来不会因为自己的商品成为畅销货而感到有损品牌的尊贵形象”，有人将时装看作是一项偏门的艺术，Marc Jacobs则更注重娱乐精神，这可能是一种艺术与文化交融的快乐，抑或是对过去美好年代的怀念。在最新一季的Louis Vuitton，模特们的头饰就像是兔女郎的耳朵，透明蕾丝，裸露的胸部，以及内衣外穿通通都是对于保守时尚的戏谑，Marc看到社交名媛穿成这般模样一定会偷笑不止，因为他热爱“粗鄙即高雅，玩笑亦正统”的设计哲学，就像从上一季开始他疯狂地迷恋苏格兰短裙一样，天才的脑子里总是有无限的鬼点子，你无法用纯理性的眼光去审视他们。Marc的合作伙伴Robert Duffy说过Marc的习性很难掌握，他一会儿疯狂购买名不见经传却价格昂贵的艺术品，一会儿又养一群名为牛头梗的杂交犬，“如果哪天他又爱上了园艺，只怕我们办公室附近会多出一个中央公园了”。

时装屋不至于对商品价格讳莫如深，但它终究是一个敏感话题，所以关于价格的疑问一直都很多：为什么有时一线大牌的价格会低于名不见经传的小牌子？“价格店洽”到底意味着什么？为什么同一品牌的服装，价格会有天壤之别？

配饰称王，服装让道
身为LVMH财团的冠名品牌，Louis Vuitton的价位却全无财大气粗的老板气质：立体剪裁的拉链夹克标价＄3751，装饰鸵鸟羽毛的上衣标价＄3025，在Prada，哪怕是时装秀的压轴系列，模拟金箔效果的丝质上衣售价不过＄2700。箱包品牌不以服装为首要盈利对象，其营业额的一半以上来自于配饰。据统计，10个日本女人有7个曾拥有过Louis Vuitton的手袋，Prada甚至还推出了鳄鱼皮手袋，钻石腰带等奢华订制服务。配饰具有耐用，利润高，无尺寸困扰，无过季尴尬等四项优点，而这四点恰好是服装商品的软肋，所以大牌时装屋砸重金操办时装秀，服装其实是十足的配角，“低价”方便你我，何乐而不为？

二线品牌的高价营销
如今Balmain的价格不菲已然成为其品牌特征的一部分，一条镶满铆钉撞钉的喇叭裤标价＄7899，一袭腰部嵌入水晶的黑色燕尾裙标价＄18927，没必要追究它们是否货真价实，高价无非只是Balmain的一种自我炒作，一种扩大宣传的营销方式。所谓“便宜没好货”，Balmain正是利用了这种思维定势而疯狂抬高价格，但当顾客真正购买时，Balmain会“善解人意”地将价格稍微调低，看似人性化的主动打折，实际仍然赚得盆满钵满，所谓“无奸不商”，大抵就是如此。

何为“价格店洽”
国际时装杂志往往会在每一页大片的注脚处标明服装的价格，某些服装既非高级定制，也没有价格标识，它们被告知读者：价格店洽。不要将这解读成“在店内洽谈价格”，它的真正含义是：这类商品几乎不会投入生产。时装杂志并非有心欺瞒读者，被标为“价格店洽”的服装，通常是一些实践设计师巅峰创意的戏剧化行头，例如Alexander McQueen镶满水晶的连衣裤，Rodarte手工撕扯的针织裙，这类服装不具备日常着装的实用性，纯粹是为时装秀赢得更多噱头与曝光率的催化剂，所以“价格店洽”只是“查无此商品”的委婉说法。

两种路线，两种悬殊的价格
时装秀，说到底始终是一种作秀，时装屋从未指望在T台时装中捞取高额的利润，若想实现盈利，时装屋必须立足于基本，开发适合在零售店内销售的服装，比方说度假系列和早秋系列，尽管它们在时髦度和观赏性等方面逊色于春秋两季的T台作品，但价格适中，实穿性强是它们得天独厚的优势，以Yves Saint Laurent为例，一件度假系列的束腰打褶上衣售价仅＄1765，有望成为诸多顾客在下一季的Must-Buy，然而一件在春夏发布的改良和服上衣则标价＄5450，另一件网格状镂空的漆皮风衣，其价格更是高达＄24995，如此价位加上过于新奇的廓形与面料，其受众面相对会狭隘很多。

Chanel 几何图形
时装设计中的几何图形即为一种或繁复或简约的视觉艺术，这种欧普主义的游戏是Karl Lagerfeld在Chanel实践的新主张。当时装界集体响应美国风格时，Lagerfeld以星星印花+条纹的绝妙搭配复刻美国“星条旗”的标志性图案。当他不满于传统格纹的一成不变时，一种看似随兴涂鸦的趣味性格纹便应运而生，宽窄不一的格子以及刻意的“留黑”都像是人工手绘遗留下的残缺美。不过Lagerfeld偶尔也会令人无法揣测他的真实动机，例如一些印在PVC套装上的图腾符号和象形文字，只能抽象解读成这是一次远古文化与未来主义的正面交锋。

Versace  现代艺术
当贩卖乳沟和穿金戴银逐渐沦为明日黄花，Donatella Versace另辟蹊径，试图以现代艺术的精神品质重新奠定Versace在米兰的统治地位。如果说波普风格的流线型印花无法在未来主义的大气候中赢得翘楚，那么与荷兰艺术家Tim Roeloffs合作的一组蒙太奇照片则不禁令人啧啧称奇：看似乃一幅幅高楼大厦，车水马龙的城市剪影，实际却是一系列以柏林为基础，融合了大量Gianni Versace经典设计的拼贴画，今季Versace携手伦敦插画家Julie Verhoeven在泳衣和晚礼服上绘制海底生物以及卡通版Medusa的涂鸦，为高级时装增添了一抹童心未泯的情趣。

Christian Dior 实穿
对于许多品牌而言，“实穿”是一种制衣之本，不过这之于John Galliano来说却是一次痛心疾首的转变，他放弃扮演天桥上剑走偏锋的反叛角色，转而以留驻和迎合新老顾客为设计的首要初衷。他希望穿Dior的女人依旧锐不可当，于是宝塔肩的套装，长风衣，鸡尾酒裙悉数上阵；他希望证明自己调度颜色的功力，于是整齐划一的Jet—Set套装还原了一个姹紫嫣红的冬天。本季Galliano重新思考种族部落的熟悉命题，模特的头发像鸟巢一般向后空隆起，铆钉，U形钉，贝壳等强悍器具直接装点在雪纺迷你裙上，这一次Galliano在向年轻顾客摇动橄榄枝。

Balenciaga 科技
老子曰：“不敢为天下先，故能成器长”，然而Nicolas Ghesquière偏偏喜欢逆流而行，甘当第一个吃螃蟹的人，他在面料领域进行大胆革新，运用科技武装时装，坚持一种形而下的未来主义，无论是穿着铰链式Legging的机器人形象，还是彰显战斗属性的日本武士盔甲，受科技主导的服装不以外观的美感取胜，它们意在推进时装工业朝纵向发展，这在当下的经济低迷时期显然需要极大的勇气，因为高昂的造价导致其售价亦会是天文数字，最新一季那些能够吸收、反射光线的“变色服”，其售价在＄59500至＄80200间不等，科技无疑也是一把双刃剑。

Prada  情色
Miuccia Prada永远将时装作为隐性武器，不动声色地宣扬自己的女权主张，当她企图以女性荷尔蒙色彩将男性物化时，同时亦通过情色元素大胆呈现出女人本能的强权与征服欲。她在仙女妖精的插画中安排有男女交欢的炽烈场面，抑或凭借重磅镶嵌蕾丝的大面积镂空展现裸露时的自信与压抑释放，今季的胸罩外穿理念同样惹人浮想联翩，但这些情色主义并非直抒胸臆，它们的表象下衍生有女性独立意识的自我觉醒，女人能够心安理得地裸露身体，抑或将性视为一种司空见惯的举动，一种无伤大雅的谈资。情色，只是一种内心的强势表达。

Salvatore Ferragamo 修长轮廓
有八卦称经济的一落千丈会导致女人的裙子越来越长，尽管纯属无稽之谈，但最近几季Salvatore Ferragamo却对修长轮廓情有独钟，似乎应证了这些花边新闻。及踝的衬衫裙俨然是改良后的希腊女神裙，只是比后者多出些许日装化的实穿性与街头气息，裤管极其飘逸的连衣裤是广大设计师的新宠，Cristina Ortiz表现出不可小觑的前瞻性，扼领的特别处理旨在利用晚装的细节提升日装的精致度，这个季节Ortiz尝试结合民俗风打造修长轮廓，阿拉伯风情的长袍加上一些猫科动物的抽象印花，淋漓尽致演绎出意式的不羁与慵懒情怀。

Celine Grunge
如果说一个品牌没有历史作为依托，没有易于辨识的特质作为形象支撑，设计师需要在造型方面花费更多的气力，Ivana Omazic选择了新Grunge风格，不再是坏孩子模样的流浪感，她为Celine的职场女性创造出一种整体结构清晰，层次分明，强调优雅与合身的层叠搭配：利用拉链拉长腿部比例，短风衣与及膝裙仿佛融为一体，仅凭色调区分彼此，抑或用皮质机车夹克搭配真丝连衣裙，水波纹形态的裙摆与运动风格的马术帽形成“弱”与“强”的对抗阵势，亦可将尼龙风衣与同色系Legging混合出重叠的视觉效果，轻如蝉翼的质地丝毫不会造成累赘拖沓的困扰。

Dolce & Gabbana 晚礼服
当下的米兰以创新面料和实穿性见长，全能日装成为一种大势所趋，但这并不能阻止Dolce & Gabbana对于晚礼服的狂热追捧，双人组旨在运用前所未有的面料打造晚礼服：硬纱上手工绘制的紫藤，白玉兰等花卉图案仿佛是一场即兴艺术创作，初剪羊毛织成的围裙直接覆盖在乔其纱长裙的表面，以一种近乎游牧民族的粗野方式颠覆了晚礼服的大众化优雅，本季设计师试图突破平面印花所在的二维空间，复古的硬布撑裙上缀满了栩栩如生的立体玫瑰、山茶花，它们有的含苞待放，有的花期正盛，展现出不输于高级定制的超强制衣水准。

Gucci  霸王花
季复一季，印花都是广大设计师的必备课题，如何在众人中脱颖而出，Frida Giannini选择“霸王花”，即为一种凸显存在感的超大尺寸印花，黑色的粗线条花卉图案占据了上身的所有视线，与肩部的花形珐琅装饰构建出对立而统一的视觉效果。当俄罗斯贵族风与华丽摇滚并驾齐驱时，Giannin运用繁复的哥萨克印花混合出上流社会的波西米亚风格。这一季是奢华度假大行其道的时刻，Giannin将目光聚焦于棕榈叶的抽象印花，尽管薄荷，葡萄紫，钴蓝的棕榈叶在现实中并不存在，但日臻自信的Giannini显然不会把这些条框放在眼里。

Fendi  束腰
维多利亚时代的女性通过束腰达到细腰的目的，这几乎成为她们一项偏执的嗜好，现今Karl Lagerfeld带领Fendi重新体会这种女王时代的苛刻风尚。束腰后的羊腿袖短风衣，袖子的立体剪裁结合腰部的束紧形成一种和谐的视觉效果，即使是A字形迷你裙+伞裙的层叠穿法，束腰皆在使整体造型呈现出沙漏形轮廓。本季残酷的束腰更为肆无忌惮，超大尺寸的腰封几乎覆盖了整个腹部，Lagerfeld乐于摆弄视觉感官上的刺激，腰封与模特的枯瘦身材形成了强烈反差，腰之细意在突出胯部的体积，无需花苞裙亦能拥有花苞般的丰盈曲线。

Loewe 巨型首饰
Loewe的皮具向来比其服装系列更令人着迷，如今时装屋开始进军同为彰显奢华品位的首饰领域，为了跟进时尚圈“越大越美丽”的全新审美标准，设计师不能免俗地创造出一系列超大尺寸的项链手镯，其风格则随着当季理念而不断演变，以时间为限，当时尚指针逆转回1970年代，项链被设计成水仙花的形态，意在呼应那个年代的浪漫与自由，当更为久远的1930年代成为灵感缪斯时，镶满螺钉按扣的超大型心形吊坠引领着工业时期的重金属时尚，好在游轮度假是每个时期的富人所必备的娱乐项目，船锚形状的装饰项链恰好能将“海滨时尚”的精神落到实处。

Lanvin 明艳色彩
Alber Elbaz曾说过，颜色是时装设计中一项看似容易，实则困难的步骤，往往服装随着颜色的变化，其体积，轮廓都得做出相应的细微调整。尽管明知颜色的掌控之艰，Elbaz仍旧沉浸于颜色的探索并且乐此不疲。他青睐饱和度高的明艳色彩，例如罂粟红，钴蓝，柠檬黄，橘红等大自然色调，他将颜色视为一种主题，所以颜色并非零星的点缀，而是大面积的单色运用，使之在整体造型中占有绝对的领导地位，即使是服装款式的雕琢都得退居二线，Elbaz通常融入褶皱和不对称剪裁等元素，令其在满足实穿性的同时，充分辅助颜色的功效。

Yves Saint Laurent 极简
几年前Yves Saint Laurent还是一个侵略式性感的符号，然而“新官”Stefano Pilati上任后放的第一把火就是将之一扫而光。Pilati追求极简的法式优雅，简洁到带有一丝严酷的束缚，这主要体现在剪裁与轮廓上，男装剪裁是他反复试验的元素，刚柔并济的哈伦裤连续数季登上YSL的伸展台，甚至还曾获得过Marc Jacobs的拥护，仿佛注入空气的宽松廓形旨在表现与之殊途同归的中性化理念，加大码的设计无疑是婀娜曲线的毒药，好在本季Pilati融入了些许明朗的女性化气质，勃艮第葡萄酒红与闪耀的珠片营造出另一种风情的简约格调，它们属于巴黎的午夜街头。

换做女装，实则是殊途同归。

这是一个循序渐进的高水准系列，从“乡村”发展至“战场”。粗呢和天鹅绒是Prada较少涉及的面料，以渔夫为缪斯的高筒涉水靴一律采用皮革制成，尽管模样诡谲，形似猛犸象腿，但与猩红色针织衫，水貂皮的迷你热裤搭配后就能糅合出一股介于粗犷与奢华之间的折衷美感，就像John Galliano曾经乐此不疲的混搭游戏，用“极简陋”撞击“极奢华”，首先在视觉上征服观众。造型游戏始终是Prada发布会的重要看点，上一季在凉鞋内塞褶皱短袜的穿法实在不够人性化，导致了一场意料之外的摔跤大赛，本季相对安全很多：针织衫扎进高腰热裤内，后者权当起腰封的作用，背心裙+半截裙则是Olivier Rizzo创造的第N个新比例。

模特们纷纷蓬头垢面，就好像在一分钟前刚结束了一场你死我活的群架，似乎在为“格斗”的末章做铺垫。皮革连衣裙截取了特洛伊战袍的轮廓外观，缎带状的裙摆仿佛是被斧头硬生劈开的，斯巴达勇士的头盔干脆跑到了模特脚上，还有那些在男装中担当重头戏的镶嵌美学，此次Prada舍弃了撞钉而选用铆钉，并将黑色金属片扎成立体花朵，已经很久没有在Prada的作品中看见如此精致而富有存在感的立体手工，上一次拥有类似设计还是2006年春夏。

当一众设计师心照不宣地聚焦于1980年代，这其中既有寓教于乐的Marc Jacobs，也不乏臭名昭著的Frida Giannini，Prada显然走得更远，她丝毫不理会宽厚肩膀的肆意回潮，甚至以大量无袖设计藐视这种大势所趋，“派对时装已经过时”，这又将1980年代的俱乐部情结和当下以Balmain为首的Bling Bling全盘否定。“乡村风格是新的时髦”，Prada的高明之处在于对“乡村”概念的独特解读，泛泛之辈迎合乡村风，不外乎碎花，格子，丝巾，草帽等了无新意的元素，Prada不会这样做，她将“乡村”视为一种突破口，背心裙看上去颇为劳作，却运用了织锦缎和水貂皮的昂贵面料，这就远远胜于那些循规蹈矩，从表象意义出发的乡村风格，其次Prada懂得用单品营造出乡村的泥泞触觉，比方说打渔穿的长筒靴，毫无疑问它们的最终归属地是时装大片，整个系列的核心仍在受实穿性主导，例如久违了的职业套装，以及Prada连续两季热烈推荐的猩红色针织衫。“衣服需要强悍而经久耐用”，压轴部分的古希腊战袍裙彰显出古代战场与民俗部落交织的混合风格，这是Prada几乎从未涉足的领域，如果说上一季凭借褶皱和衣冠不整表达“回归原始”的理念，此次则将这种返璞归真的精神演绎得更为直白和彻底，放在当前的经济形势下看，这种坚韧不拔的凛冽形象又颇为符合时宜，旨在宣扬“救赎”与“自救”，与男装里强调的“劫后余生”倒是相得益彰。

说完了“新装”，现在来谈谈“旧衫”。此次Prada谢幕时的整套行头通通是自己前几季的设计，开襟衫来自于2007年秋冬，连衣裙来自于2007年春夏，高跟鞋来自于2006年秋冬，之前1月份男装谢幕时穿的也是Miu Miu的围裙，最近Prada对于亲身示范的喜好似乎已经达到无以复加的高度，什么时候也穿穿蕾丝好了，那可是我近几季的最爱。

Fashion is an Aptitude
如果说大学语言学教授和时装杂志主编是两种毫无交集的职业，Aliona Doletskaya则以自身经历将它们联系在一起。毕业于莫斯科大学的她拥有历史比较语言学的博士学位，尽管曾先后担任英国文化教育协会的艺术指导以及英国广播公司的通讯记者，但1998年Condé Nast集团在俄罗斯创立VOGUE时，没有人知道这个被任命为主编的女人姓甚名谁，加上彼时的俄罗斯经济还有待转型，奢侈品工业百废待兴，人们并不关注这个襁褓中的VOGUE，也不曾料到10年后的今天它竟会跻身世界一线时装杂志的行列。Doletskaya具有丰富的创意和灵活的社交手腕，被视作是美国VOGUE主编Anna Wintour的首席接班人，她用10年的时间证明自己的实力和独到眼光，才拥有今天的厚积薄发。去年年底Chanel将其2009年早秋系列命名为“巴黎—莫斯科”，如今俄罗斯已成为各大时装屋的一块福地，其奢侈品工业较10年前相比已发生了翻天覆地的变化，当俄罗斯凭借新贵的力量在时尚界吹响号角时，Doletskaya和她主导的VOGUE亦为此立下了汗马功劳。

在Aliona Doletskaya任职于VOGUE的这10年间，她承认曾经俄罗斯的中产阶层对于国际化大都市的一切会感到茫然而不知所措，即使手中有钱也不懂得该如何消费，“我们要做的事情太多，建立起时尚的观念是一个漫长的过程，当然这不是说号召大家都去买Cartier或Gucci，时尚本身是一种生活态度和生活方式的选择，这一群人是现代社会的新贵族，他们同样希望改变自己”。诚然，Doletskaya的聪明之处在于她坚守着东欧历久弥新的美学历史，让巴黎或纽约的时装文化“融入”在传统审美中，而不是“取代”。俄罗斯的财富一族并非像印度、中国等国家以年轻人居多，他们更多是财权并获的中年人，这些崛起于叶利钦资本主义时代的寡头们，以及他们娇生惯养的太太是奢侈品消费的主力军，Doletskaya需要善于把握他们的消费心理，灵活调动他们的消费积极性，才能使VOGUE具备潮流的指导性和权威性，才符合时尚圣经的根本标准。

Luxe Complex
众所周知，俄罗斯的冬季漫长而寒冷，动辄零下20度的天气令皮草成为俄罗斯女性日常出行的必需品。“我们鼓励读者购买皮草大衣，如果我们这儿拥有希腊那样的天气，事情会是完全相反的状态，可惜我们没有那样的好运气”，Aliona Doletskaya承认她对于皮草采取完全支持的立场，这不仅决定于气候，自沙皇时期以来皮草即为尊贵的同义词，世人脑海中似乎已经形成一种思维定势----皮草乃俄罗斯的标志之一，Doletskaya固然会维护这项传统，2008年9月一组名为“Colour of a nation”的大片中，Dries Van Noten，Roberto Cavalli，Jean Paul Gaultier，Giambattista Valli等色彩绚丽的皮草大衣与早秋树林里的葱翠绿色相互映衬，Naomi Campbell身穿Christian Dior的水貂皮大衣登上了2008年12月号的封面，这也是当季世界范围内的VOGUE中为数不多具有冬季气息的封面形象，Doletskaya的办杂志理念是严谨的，甚至有些循规蹈矩，但其敏锐的市场洞察力则不容小觑。

回望2008年迄今为止的俄罗斯VOGUE，封面人物的着装和造型以美容大片的形式为主，珠宝首饰乃不可或缺的装备，这其中既有价值连城的Chanel 山茶花珍珠手镯，也不乏较为平民化的Pebble 鹅卵石项链。2008年9月号的周年纪念版，Doletskaya邀请法国VOGUE主编Carine Roitfeld塑造封面形象，肩部与胸前镶嵌有绿色水晶和人造宝石的裙装来自于Prada 2009年早春系列，此外Roitfeld继续运用超大尺寸的项链和耳坠营造珠光宝气的富贵感，这倒是与Doletskaya推崇的美学理念不谋而合。2009年1月号封面模特Toni Garrn佩戴着Chanel的字母手链，其内页大片同样包含有Alexis Bittar的锯齿状项圈，以及Hervé Van der Straeten的手镯，Balmain的斑马纹上衣局部镶坠有水晶和钢质装饰物，Victoria Grant的红色毡帽也垂坠有金色链条。一切都和珠宝首饰息息相关，抑或凭借仿真材质凸显其存在感，这种肆无忌惮的珠宝崇拜到底意义几何，还得从俄罗斯人的消费习惯说起。

We Are Part of the World
据美林报告称，2009年俄罗斯的奢侈品消费金额将占全球奢侈品消费总额的10%，这其中珠宝首饰将牢牢占据俄罗斯奢侈品销售的首位，其年利润约为60亿美元。俄罗斯女性热爱购买首饰，Cartier，Tiffany & Co.和Van Cleef & Arpels等是她们如数家珍的珠宝品牌，她们不太关切何为低调的奢华，彰显经济实力和财富地位的昂贵首饰在她们看来即为身份的象征。在这样的消费背景下，Doletskaya的顺水推舟之举颇为符合国情，与其以一己之力扭转传统，不如顺应形势主打本土特色，所以珠宝首饰成为俄罗斯VOGUE中出镜频率最高的单品。在2008年9月号一组名为“Rosta-Windows”的大片中，造型师Simon Robins挑选了Lanvin，Burberry Prorsum和Balenciaga等时装屋发布的珠宝首饰，这折射出近几季天桥上一种集中的现象----众多时装设计师在T台发布会上连带展示同名品牌的首饰，2008年秋冬Balenciaga的秀上每位模特都佩戴有相应的项链和手镯，Burberry Prorsum，Louis Vuitton，Lanvin，Dries Van Noten，Loewe，Jil Sander等时装屋亦格外重视珠宝首饰的盈利性，在市场投放量上令其与服装并驾齐驱。这绝非心血来潮，产品比重的调整在于供求关系的微妙变化，俄罗斯顾客对于首饰的钟爱给金融动荡挫折下的时装屋迎来了新的契机，这些首饰不一定采用名贵的材质，而是以新颖别致的外观取胜，对于顾客而言，这具有时装屋良好信誉的保障，而对于时装屋，这无疑是降低成本的有力途径，所以纷纷对其趋之若鹜，希望在这新兴市场能够分一杯羹。

尽管Aliona Doletskaya与这种市场的形成毫无关联，但她却在某种程度上加速了其壮大的进程，这10年间她所领衔的俄罗斯VOGUE对于珠宝首饰在时尚领域的发展有着不遗余力的推广，这种隐性宣传的力度和强度直逼各大时装屋的硬广，或许有的顾客并不知道这些首饰来自何方，但当她们在时装大片中看见Jil Sander的弧形耳坠，抑或是Christian Lacroix骨骼形态的手镯，她们会按照杂志标示的品牌前往精品店购买。很难说这到底属于俄罗斯VOGUE的成功还是时装屋的胜利，但无法否认的是Doletskaya实践的种种措施令俄罗斯VOGUE在逐步成为VOGUE家庭中极具影响力的成员。她曾因坚持起用具有典型东欧气质的模特而和出版方争论不休，她厌恶好莱坞对于俄罗斯时装文化的侵袭，10年间她只邀请过Elizabeth Hurley，Victoria Beckham等屈指可数的明星担任封面人物，她对于浇灌俄罗斯的时尚土壤拥有自己独到的见解，“读者需要的不是品牌扫盲，我们要让他们真正有所收获，我们强调真实和实用性，你看了我们杂志，你会知道这一季设计师在告诉我们什么，这个很关键，我们从来不会一味地标榜艺术，我们在乎的是你要怎么穿”。

俄罗斯本国的时尚觉悟远远落后于法国、意大利等欧洲其它国家，所以俄罗斯VOGUE注定不可能像法国VOGUE成为主编和编辑挥洒个人魅力的舞台，亦无法效仿意大利VOGUE以会说话的情节式大片取代时装本身的刻画，它要像一本服装知识的实用手册，令读者能够学以致用，立竿见影。当今奢侈品工业在俄罗斯得以迅猛发展，时装屋甚至已经开始攻占Perm和Kazan等二线城市，“我经常告诉我的读者说，我们已经是世界时尚大家庭的一份子，而不再是观摩者，事实上我们也可以做领袖，只要我们坚持”，真性情的Doletskaya毫不掩饰自己勃勃野心，因为如今的俄罗斯VOGUE的发展已步上正轨，创业艰辛时期的亦步亦趋不应再成为凸显个性的绊脚石，怎样令杂志更加具有国际含金量，怎样在兼顾商业的同时涵盖艺术的视角，是留给Doletskaya和她的强劲队伍在下个10年中需要思考的命题。

Christophe Decarnin
如果要评选当下最炙手可热的“IT”设计师，那一定非Christophe Decarnin莫属。不仅是因为他让老牌时装屋Balmain重获新生，更重要在于他树立起时尚的新标准：酷就是王道，性感就是天堂。上任后Decarnin丝毫没有拘泥于Balmain的旧式传统，因为这在年轻顾客眼中是无足轻重的。女孩们希望自己成为Kate Moss，成为年轻时的Jane Birkin，Decarnin便满足她们的心愿，他以通俗易懂的方式让高级时装街头化，那些超迷你的尺寸，蕾丝水晶刺绣，以及野性的豹纹、闪电纹都是对于性感派对装的最传神演绎，但这并不以为着廉价和搔首弄姿，事实上青睐Balmain的顾客同样不乏拒绝被物化的有主见女性，例如知名杂志主编Carine Roitfeld和品味出众的Gwyneth Paltrow。尽管Decarnin摆弄性感的手法既非实验性，也不具备领袖气质，但时装早已无需戏剧张力，人们希望自己能主宰它，Decarnin则很乐意充当这个间接的推手。

Antonio Berardi
即使能将国际大牌如数家珍的时尚人士，也未必听过Antonio Berardi的名字。但倘若说起Victoria Beckham那双挑战地心引力的漆皮无跟鞋，想必大多数人一定会恍然大悟，而那双惊为天人的鞋就出自Berardi之手。作为圣马丁艺术设计学院的高材生，Berardi并没有Alexander McQueen、John Galliano等同门师兄那么好运，尽管曾担任过Galliano的助手，但事业始终游离在半红不黑的徘徊阶段。2002年他在米兰成立了个人品牌，然而那里的商业氛围令其头疼不已，他厌倦了T台发布会后必不可少的陈列室展览，他疲于应付记者招待会上的刁钻媒体，这种种一切只会给初出茅庐的他增加额外的负担。因此他于2006年春夏转战巴黎，相比米兰一系列冗繁的应酬，巴黎人更在乎设计师的才干以及发布会的核心作用。只是这看似简单的场地移位，却将品牌的整体形象和顾客定位都彻底扭转，如今连知性女星Gwyneth Paltrow都甘愿颠覆形象，尝试Berardi的蕾丝透视装，足见其在业内已逐渐奠基起自己的时尚地位。

Thakoon Panichgul
几个月前，Michelle Obama公开亮相时穿上一条Thakoon的印花连衣裙，这瞬间在政界、媒体界和时尚界引发了一场大讨论。有人称赞说这是属于亚洲设计师的历史性时刻，也有人认为那条裙子并无过人之处。但无论设计出彩与否，凡经第一夫人在国民面前高调演绎后服装，都将获得其拥护者的热烈追捧，这其中最受益的人肯定是其设计师Thakoon Panichgul。从2004年在纽约举办个人处子秀起，Panichgul的设计征途可谓一帆风顺，女明星Demi Moore，Sarah Jessica Parker相继成为其VIP客户。如今在eLuxury.com上，Obama夫人那件印花裙的单价已经被炒到1600美金，并且还有增长的势头，名人效应的立竿见影始终是硬广难以匹敌的。

Gareth Pugh
中国有句古话叫人不可貌相，Gareth Pugh虽长着一张酷似T-Bag的脸，却从14岁开始就为英国国家青年剧院设计舞台服装，具有惊人的设计天赋。长大后，他在圣马丁艺术设计学院的毕业秀引起了时尚先锋杂志Dazed & Confused的关注，并且也获得了一些评论家的认可，但结果往往是叫好不叫座，因为其诸多设计纯粹是T台实验品，那些棋盘图案的银箔大衣，雌雄莫辨的塑胶斗篷，以及镶水晶的封闭式正方体头盔通通毫无实穿性可言，倒是比较适合作为万圣节的装扮。在没有买家相中的日子里，Pugh曾经在没有暖气，只有两个电器插座的简陋工作室内做设计，可谓苦不堪言，好在一切已经时过境迁，在2009年春夏，Gareth Pugh是巴黎时装周的开场秀，最近Beyoncé Knowles也在公开演出时选择了Pugh的“折纸装”，所以说，适度的商业化乃成功的必经之路。

Francesco Scognamiglio
在Give It To Me的音乐录影带中，Madonna穿过一件带有皮草装饰的雪纺上衣，这便是出自Francesco Scognamiglio之手。尽管整个MV就像是一场08秋冬的时装秀，遭到Dolce & Gabbana，Givenchy，Stella McCartney的新装轮番轰炸，但Scognamiglio的作品仍然很抢眼，并且他还受到Madonna的邀请，为其接下来的公众演出特别订制一些服装。新人若想在时尚圈崭露头角，除了明星的捧场，个人素质亦是关键。Scognamiglio的设计充满了极致的女性魅力，有些类似于Alessandra Facchinetti手中的Valentino，但前者更加大胆地融入了挑战传统的元素，譬如说裸露。09年春夏那些裸露胸部的设计，你可以看见当年Tom Ford在Yves Saint Laurent Rive Gauche的影子，那种性感里混合了柔美与侵略性的双重气质。Tom Ford是生不逢时的英雄，如果Scognamiglio能沿袭他的路线，这倒是填补了当今时装界的一项空白。

Esteban Cortazar
早前在好莱坞著名酒店Chateau Marmont，老牌时装屋Emanuel Ungaro为其年轻的创意总监Esteban Cortazar举办了一场盛大的派对。论资排辈，Cortazar绝对是一线品牌设计师中的小字辈，刚满24岁的他来自于美国迈阿密，去年3月在Ungaro的初次亮相并没有获得评论太多的认可，尽管主打的是飘逸晚装和柔和色彩等经典牌，但却没有撞击人心的东西，第二场发布会也就是最新一季的设计，手法相对成熟，但依旧有些人云亦云。可这一切是Cortazar的错吗？自从Emanuel Ungaro于2003年退休后，品牌就逐渐沦为难以翻身的咸鱼，先后换过三任设计师。头顶如此大的压力， Cortazar如今的表现也在人意料之中，他的年龄和他的经验都不足以让他应付这些前人遗留的混乱。如果说Ungaro希望Cortazar是一位救世主，就目前而言，他们有些异想天开了。

Marios Schwab
又是一位来自“圣马丁”的硕士毕业生，又是一位在伦敦开辟时装事业的青年才俊，拥有希腊和奥地利双重血统的Marios Schwab是一颗冉冉升起的新星，早年他在在柏林Esmond学院求学，后来选择在伦敦定居并创立自己的品牌，并于2006年夺得“英国设计师最佳新人奖”，2007年他再次卫冕“瑞士纺织品行业奖”。他的作品线条流畅，剪裁犀利，看那些蕴含解剖学理念的镂空长裙、及踝外套，仿佛是外科医生手术刀下的杰作。在纽约Chanel Mobile Art的派对上，社交名媛Daphne Guinness身穿一件大量金属装饰的连衣裙，有舆论在猜测这会否是特别订做的Chanel高级定制，而事实上，它来自Schwab的08秋冬系列。Guinness是英国黑啤酒王国的唯一继承人，坐拥亿万资产，一般只穿高级定制，看来Schwab已经虏获了高端顾客的芳心，这对于年仅28岁的他而言无疑是难能可贵的。

Alexander Wang
在2008年CFDA/Vogue颁奖典礼上，Alexander Wang获得了“年度最佳新人奖”，以及20万美元的奖金。事前已经有媒体预测到这一结果，因为如今的Wang是纽约时装界一颗最亮眼的新星，连美国版《VOGUE》主编Anna Wintour都亲临他的发布会现场，这对于新人而言是极大的肯定。商业化和街头感是构成纽约时装的重要元素，也是Wang的设计核心，他致力为年轻女性服务，前任超模Erin Wasson担当其T台的造型师，为其品牌塑造出中性而野性的Grunge风格，Lindsay Lohan的女友Samantha Ronson便是Wang的忠实顾客。在09年春夏，不希望被过早定型的Wang在设计中运用了难得一见的粉系色彩，算是小小的突破。华人在国际时尚界开辟的领域空间在日益扩大，我们拥有了杜鹃、刘雯等一线模特，何时能出现一位土生土长的华人设计师呢？想必这是盘旋在很多人心中的一个问号。

Roberto Rimondi & Tommaso Aquilano
当Roberto Rimondi和Tommaso Aquilano被告知担任Gianfranco Ferré的创意总监时，部分业内人士提出了质疑，他们并不看好这个来自Malo的双人组合。所以当第一份答卷公诸于世，舆论自然呈现出毁誉参半的两极趋势。有人盛赞他们继承了大师的传统，作品中那些媲美高级定制的工艺和新古典主义的整体印象都符合大师一贯的作风，但另一半人则认为他们太急于表现自己，让设计流于花哨，那些夸张的冰雕式轮廓和堆砌的细节，相对于成衣而言不够实穿。诚然，我们不能否认Rimondi和Aquilano对于新系列所花费的大量心思，他们试图利用未来主义的流行理念重塑品牌形象，但革新的举措一旦把握不当，就会像Alessandra Facchinetti在Valentino遭遇的那样，沦为时装屋形象桎梏下的牺牲品。面对金融危机的严峻考验，没有任何公司会选择在这个时候冒险，好在Anne Hathaway和Alicia Keys都力挺Rimondi & Aquilano的新设计，这首战终以险胜而告终。

按照国人的传统思维，女人公然向男人挑衅是不守妇道的表现，然而这是时尚圈，谁又会把所谓的“规矩”放在眼里？今季，天桥上的女人依然是强势而自我的，但相比上一季“女孩到女人的蜕变”，这种强势表现为两种极端的趋向：一方面，设计师以肆无忌惮的裸露让女人无视男人的尴尬，并把这当做实现超我的方式；另一方面，设计师将女人裹得严严实实，但服装所彰显的强悍而锐利的气质给予了女人漠视一切的资本，昭示出与时俱进的处世态度----风流，从来就不是男人的专利，女人同样可以无所畏惧，而不是甘当男人手中的玩物。



Stripped

然而这只是本季裸露风潮的前奏，倘若说露脐露背多少有些闷骚的嫌疑，那么你是否曾想过把胸罩直接当做外衣来穿？看Prada的姑娘们，她们前所未有的衣冠不整，解开上衣的纽扣，任由其慵懒地垂在身上，无所顾忌地展露着并不丰满的胸部。Miuccia Prada总会在作品里宣扬自己的女权主义立场，女人从来就不是为取悦男人而生，她爱怎么穿就怎么穿，女人轻佻犯法了吗？恐怕只是大男子主义的狭隘观念在作祟。不仅如此，男性设计师也在鼓励女人勇于展现自己豪放的一面，Stefano Pilati为Yves Saint Laurent设计了多款裸露的造型，虽然没有Prada来得直接，但在那些透明雪纺衬衫下，女人身体的曲线轮廓还是一览无余。在Christian Dior，通透见底的薄纱迷你裙采用了复古的胸衣设计，就好像是心血来潮，翻出妈妈当年的古董内衣，只有鞋和包所凸显的时髦气息才会让你恍然大悟：原来她们都是21世纪的绯闻女孩。

这些现象无疑和前几季的T台形成了鲜明的反差，例如时隔最近的去年秋冬，Prada用裸色内衣和装饰性的假高领去填补蕾丝所产生的魅惑，裸妆的模特们全部零表情，不带有一丝关于性的联想，今季则是截然相反的。那些半露的酥胸，和刻意抹油的肌肤，仿佛是大汗淋漓后的结果，你似乎能听见她们依旧起伏的潮状呼吸，但这分明不是一个男人身边的女人所应有的状态，因为她们和男人是并驾齐驱的，就好像007与邦女郎的关系，没有任何男人愿意自己女人的身体暴露给其他男人看，他们将此视为自己的独享而非众人的猎物，可是女人为什么不能选择自己想要的生活方式，为什么要奢求男人给予自己归属感，为什么连“是否穿迷你裙”这种本应自己做主的事情都得先征求男人的意见。这是不公平的，也是没有道理的。于是设计师通过时装告诫女人怎样去以自己为王，怎样去获得自己的重生，哪怕带有一丝冒险。



Preponderant
另一边厢，设计师呈现出衣冠楚楚的女性形象，面对金融海啸的猛烈冲击，这确实具有其必要性，但我们无法否认，女人的个性才是恒久保存的容颜，独立是与男人抗衡的第一步，就像Balenciaga所表现的那样，模特带着形似钢管的金银纱手套，服装因为吸收反射光线而丧失了固定的颜色，你看不到任何关于流行的东西，它思考的是怎样去推进时装的发展和演变，而不是出门上街你该怎么穿。上世纪60年代曾掀起未来主义的高潮，那时同样是女权主义盛行的峥嵘岁月。如今风起云涌的未来主义旨在说明女人的自我意识开始逐渐觉醒，只有这样你才会不在乎自己是否化了妆，是否做了头发，因为这些都是可有可无的东西。著名时装编辑Emmanuelle Alt曾说过，巴黎一半的女人从不化妆，她本人也是经常裸妆出现在公众面前，脸上的皱纹清晰可见，不要以为是她支付不起肉毒杆菌针剂的费用，时间沉淀而成的大气和优越感可以让你有足够的信心去应付并不完美的外表，去展示自己的风流与坦荡。

在Alexander McQueen，模特干脆把埃菲尔铁塔穿上了身，这是一种立体剪裁的裙装轮廓，胯部体积被肆意放大，与蜂腰形成了强烈对比。在Louis Vuitton，Marc Jacobs塑造出精明世故的大女人形象，那些厚垫肩小西装、阔腿裤、和服式宽版腰封纷纷摆脱了上一季春夏的搔首弄姿，如今设计师不会满脑子去想怎样让女人看上去更美更漂亮，他们尝试将强悍的性感代替传统的优雅，这才是时髦的最新定义，它赋予了女人冷酷坚毅的阳刚气质，透露出“可远观而不可亵玩焉”的行事准则。

从天桥到杂志，从广告到衣橱，时装不怕没有自己的栖息之处。作为衔接T台与现实生活的广告，它传播和倡导的理念与精神是时装屋需要告知顾客的，亦是顾客了解品牌的必要途径。当2009年春夏的品牌广告还未全部公布时，我们试图做一次预览，不求全盘分析，只为管中窥豹，了解到这一季品牌广告的发展与趋势。

细数近年来Balenciaga的广告，2006年春夏也曾上演多位模特同台竞技的好戏，那一季Balenciaga总共雇佣了16位模特。无独有偶，Burberry Prorsum也曾热衷于“群模”的阵势，2008年春夏摄影师Mario Testino招来浩浩荡荡的13人，当季女主角Lily Donaldson在这次的硬广中仍然是核心人物，此外演员Alex Pettyfer和乐师George Craig等其他7人也相继入镜。本次Burberry将拍摄地点选择在坐落于伦敦城外的一家度假村酒店Petersham Nurseries，画面中泥土的地板和温室式的结构都是酒店引以为傲的原生态景观，这与Burberry本季宣扬的田园风格倒是相得益彰。

时装屋敢于用模特集体亮相的方式打造品牌形象，其前提首先得保证服装本身的赏心悦目。Prada拥有这一季最完美的褶皱，于是宣传硬广破天荒起用了Sigrid Agren，Toni Garrn，Ymre Stiekema等8位模特。整个广告的灵感取材于古希腊的浮雕版画，7位模特一字排开，在她们或怒视，或陶醉，或零表情的面容下，肢体语言是摄影师Steven Meisel突出的重点，推挤、争抢、迈步等一连贯舞蹈动作虽说是刻意摆出的造型，但丝毫不觉生硬，反而具有一种瞬间捕捉的动态美。你可以想象那些古代的建筑艺术品，人物没有欢颜，他们怒不可遏，他们揭竿而起，化作模特后，姑娘们仍然拥有丰富的面部表情和肢体动作，只是战士手中的长矛变成了一个个即将热卖的IT手袋。另一方面，广告中色调的对立与统一良好地体现了画面的完整性。按颜色粗略划分，本季Prada的作品可分为金属色、黑色、白色、烫金和抽象印花等5个系列，广告在按照此分类进行拍摄的基础上，增加了发布会上不曾出现的猩红色单品，和谐的颜色处理方式偶尔跳脱出大胆的撞色，为题材上的新古典主义氛围营造了些许摩登与时代感。

三个女人一台戏，不过这并非Lipstick Jungle，而是Steven Klein掌镜的Dolce & Gabbana硬广。Mariacarla Boscono和Caroline Trentini深得设计师信任，都不止一次为品牌代言，那么在Gabbana家族初试啼声的Karlie Kloss担当衬红花的绿叶似乎也是情理之中的事。在以“立体花朵”为主题的硬照中，姗姗来迟的Kloss更像是Boscono与Trentini恶斗场景外的看客，只有在“建筑肩膀”那张硬照中她的位置才稍微靠前。虽说如此，这一季的广告仍旧是年轻模特称霸的天下。Anna Jagodzinska一人独揽12项代言，Toni Garrn则以8项代言位居模特榜眼的位置，这其中包括Chloé，Emporio Armani，Etro，Fendi和Prada等诸多一线品牌。时装屋青睐她们的原因在于她们没有显赫的身份，也没有明星的光环，她们只是衣架子，这就足以解释为何Prada的广告硬照中没有任何模特与镜头有眼神交流，因为服装的宣传与推广才是时装屋关心的根本，淡化模特的正面轮廓便也不足为奇。因此，如果哪位模特雀屏中选，这是运气之神在眷顾她；如果像Jagodzinska和Garrn这样被如此重用，那么其潜质是不可估量的，毕竟当今模特界还缺乏前两年像Gemma Ward这样的新生代领军人物。



然而姜始终是老的辣，1980年代已然名声鹊起的资深超模Claudia Schiffer，Christy Turlington，Naomi Campbell……如今俨然是家喻户晓的明星，Gisele Bündchen，Kate Moss为首的第二批超模也早已被视作ICON。今年春夏，Amber Valletta代言Loewe，Claudia Schiffer代言Salvatore Ferragamo和Yves Saint Laurent，Naomi Campbell和Linda Evangelista共同代言Dsquared²，Stephanie Seymour代言Valentino，Gisele Bündchen代言Christian Dior，并与Kate Moss共同代言Versace 。时装屋爱超模，因为她们具有历久弥新的气质和影响力，驰骋时尚圈数十年却经久不衰，当年视她们为偶像的年轻女孩们如今已成为各行各业的白领精英，当这些人看见曾经的她们十年如一日地保持着姣好的容貌和完美的身材时，那种购买欲是一触即发的。这种号召力绝不亚于歌星影星，这也正是时尚常青树的独特魅力所在。

Yves Saint Laurent的广告在洛杉矶好莱坞山取景拍摄，摄影师Inez van Lamsweerde和Vinoodh Matadin巧妙运用“HOLLYWOOD”中“Y”字体的一语双关性，将模特Claudia Schiffer摆放在“Y”字前面，或者用手袋上的“Y”字LOGO与之遥相呼应。纵观这一季Saint Laurent的作品，Stefano Pilati主打东方衣形与西式剪裁的有机结合，抑或是透明裸露的挑逗式性感，但在广告中这些元素所发挥的作用是微乎其微的。户外高地的空旷与巨型字幅所占有的空间比例，同时赋予了整个画面澎湃的气势，摄影师强调的是空间建筑的辅助特性，可能服装细节的刻画都得退居二线，它呈现出的是宏观印象上的艺术感，这是摄影棚作品难以望其项背的。

另一边厢，超模与顶尖摄影师的结合能够肩负起拯救时装的重任。这一季Loewe并未举办时装秀，只有乏善可陈的静态展示，好在宣传硬广完美得无可挑剔，Steven Klein运用其签名式的场景布置，Chad White、Garrett Neff扮演的裸男与户外游泳池悉数上阵，情色意味呼之欲出，哪怕是出现在VOGUE ITALIA里都能成为一组不俗的大片。如今，“格斗”已经取代了搔首弄姿而成为新一轮的时髦代名词，之前提及的Prada与Dolce & Gabbana都有不同程度的交锋场面，Dsquared²则以此为主题。女人之间的打架绝对没有男人那股子奋不顾身，她们的造型永远得保证一丝不苟，偶尔打累了还会彼此依偎着取个暖。Dsquared²的设计几乎是让人过目即忘的，Linda Evangelista和Naomi Campbell却有本事让它们起死回生，当然这也少不了Steven Meisel的功劳，引诱她们摩拳擦掌，仿佛在争夺这世上最后一针肉毒杆菌。事实上时装屋从来不会为代言人选而绞尽脑汁，因为超模永远在候选名单上，似乎如果幼齿模特无法满足要求时，Daria Werbowy，Gisele Bündchen，或者Kate Moss，Natalia Vodianova中总有一位可以胜出，基本上本季Christian Dior就属于此类情形，Donatella Versace也继承了哥哥只爱超模和明星的癖好，尽管Bündchen的Dior硬照极其蹩脚，尽管Versace也是了无新意，但它们都因超模的冠名而与“失败”无缘，在当前严峻的经济形势下能够稳中保底已是成功了一半。

 好莱坞明星并不真正属于时尚圈，但这丝毫不妨碍她们赢得设计师的垂青。她们在媒体上的高曝光率以及在公众心中奠定的地位是时装屋看中的两大资本。今季David Beckham夫妇在Emporio Armani内衣系列的硬广中上演床笫之间的夫妻档戏码，Scarlett Johansson在Dolce & Gabbana的口红广告中忸怩出Marilyn Monroe的销魂姿态，Miu Miu则早已成为明星的专属阵地，不管是绯闻丑闻接踵而至的Lindsay Lohan，还是彼此风格迥异的Kirsten Dunst、Vanessa Paradis都曾被Miuccia Prada相中，本季则是Katie Holmes的独舞。尽管根据业内人士透露，Myf Shepherd、Yulia Leontieva等8位模特亦参与了广告的拍摄，但目前曝光的3张硬照中均不见模特的踪影。Holmes的生活重心绝非演艺事业，而是她和Tom Cruise的宝贝女儿Suri Cruise，所以Mert Alas与Marcus Piggott必须颠覆其职业奶妈的既定形象。这一季Miu Miu力图表达古罗马拜占庭时期的历史与艺术氛围，Mert & Marcus利用Federico Fellini电影中的怀旧光影呼应那遥远年代的斑驳记忆，“火”的意象令画面呈现出日落／沙漠／火山爆发时的黏稠与胶着感，Holmes甚至将手伸向火盆之中，尽管明知是PhotoShop的杰作但仍会忍不住叫好。

Marc Jacobs与明星们关系甚佳，Jennifer Lopez，Uma Thurman和Scarlett Johansson都相继担任过Louis Vuitton的品牌代言人，今季Vuitton的舞台属于歌坛大姐大Madonna。 明星与模特的差别之一在于人们对其私生活的追根究底，这些幕后的故事往往就是个人的隐性广告，结束了长达8年的婚姻，Madonna依然活得自在而逍遥，年届50却仍旧在演唱会上劲歌热舞，这种独立而勇敢的大女人作风值得每个女性去学习，同时这也吻合今季Louis Vuitton在T台上所塑造的形象特征，所以Madonna与Vuitton的化学效应发生于此，哪怕她并不是一个传统的LV女郎。广告的拍摄地点是一家坐落于洛杉矶名为Figaro的咖啡屋，Madonna流连于咖啡屋的各个角落，这其中包含了其招牌式的瑜珈高抬腿动作，以及用高跟鞋鞋跟钩住手袋的诡异姿势，这一切都与传统的奢侈品审美有些偏差，咖啡屋流露出的法式格调也并不高级，Vuitton试图追寻一种更为世俗，更为市井，抑或是更为亲民的元素。如果说“失望”，这始终有Steven Meisel+Marie-Amélie Sauvé的实力保证，但面对金融海啸的冲击，这种看似浅薄而大众化的奢侈品传播理念是否能打动日趋世故的顾客，这种怀旧的哀而不伤是否就是忆甜思苦的隐喻表达，似乎还有待销售数字来做最终的评判。

高级时装的世界并不总是那么高级，“山寨时装”就是其中的捣乱份子。它们绝非假冒伪劣的次品，也不是以假乱真的A货。它们品质精良，价格不菲，却并不值得称道，因为它们品牌LOGO下还隐藏着另一个商标----抄袭。

Miuccia Prada是当今时尚界最具影响力的女性设计师，我们不能期望每位设计师都拥有她那样的前瞻性和煽动性，我们也无法阻止各种阶层的设计师对她进行肆意或无意的模仿。Marni的创意总监Consuelo Castiglioni对于Prada作品的抄袭癖好已经持续了很多年，基本上是Prada玩了什么新花样，Marni的秀上就会毫无悬念地重新上演一遍，当然时间的间隔不等，有时是趁热打铁出现在接下来一季，有时又趋于慢热。Castiglioni没有接受任何设计方面的科班学习，却学会了一项本事----极其娴熟地在设计前做系统的搜索，或许确切地说，是对Prada以往作品进行全盘而深入的剖析。这一季Marni采用了一种面料叫蕾丝，非传统蕾丝，而是具有菱形、圆点等几何切割的重磅蕾丝，非常不巧的是Prada上一季的核心主题就是重磅镶嵌蕾丝，就连Prada用模拟蕾丝效果的“伪蕾丝”印花，Castiglioni也是照单全收。不仅如此，Marni的造型师Lucinda Chambers同样奉行“拿来主义”，Prada御用造型师Olivier Rizzo用芭蕾舞短裙式的装饰性腰带搭配连衣裙，Chambers马上收为己用，或许真的应了中国那句老话，近墨者黑。

回头看前几季的作品，这类跟班式的设计俯首皆是。Prada在2007年春夏主推公爵夫人缎，Marni怎会放过这种极易塑造廓形的重型面料，于是2008年春夏Marni的舞台被公爵夫人缎和查米尤绉缎团团包围，即使连款式都如出一辙。2008年秋冬Castiglioni的抄袭癖进入到一种亢奋阶段。Prada在2007年秋冬将马海毛处理成泰迪熊的毛茸质感，做成一件及膝大衣，Marni倒也模仿的惟妙惟肖，颜色由Prada的水洗蓝变成了钴蓝，款式不变，更令人啼笑皆非的是连模特都不曾更改，两场秀都是Irina Kulikova，不知道小妮子在Marni试衣的那一刻会否有似曾相识的感觉。此外，Marni还将Prada 2006年秋冬的无袖皮草大衣偷了过来，Castiglioni企图用截然不同的造型方式掩人耳目，在大衣里搭配T恤和长裤，可是穿上马甲就能逃脱群众的法眼吗？每当Consuelo Castiglioni答谢观众时，她通常会扶着墙壁向台下致意，这是在担心自己晕倒吗？脸上堆积着颤惊惊的假笑，仿佛在恐慌随时飞来的臭鸡蛋。曾经以为Castiglioni和Prada是英雄所见略同，但为何Castiglioni总要慢一拍呢？或许“得来全不费工夫”才是最佳解释。

话说回来，乐于效仿Prada女士的设计师远不只Marni家那位，二三流的队伍绝对不胜枚举，不过咱们只关心主流人士。众所周知，Roland Mauret的明星款式乃铠甲肩部设计的束腰鸡尾酒裙，Keira Knightley、Victoria Beckham都是他们家的忠实粉丝，可是鲜少有人洞悉，同样类型的设计Prada和Miu Miu在2004年秋冬就有，而Mauret大面积实践这项创意则始于2005年秋冬。色彩鲜艳、体积硕大的“霸王花”是2008年春夏Prada早春系列的灵感缪斯，这种做法极为讨巧，无需冗繁的工艺便能轻易虏获人心，于是虎视眈眈的人开始蠢蠢欲动。首先是Jason Wu，然后是Paul Smith。玩了一辈子彩条的老绅士尝试着关注印花，只是那粉色打底的蓝紫色花朵和Prada秀上的一模一样，并且这还作为品牌2008年秋冬的硬广主推款出现在各大杂志里。在Chanel 2008年的早秋系列中，那些通透的绛紫、浅灰色蝉翼纱像极了Prada 2008年春夏的面料，高跟鞋的蝴蝶结装饰和艺术鞋跟也都很雷同，看来即使心高气傲如凯撒大帝这般人物，都不能免俗地会去向Prada借点盘缠。

另一些总是被迫担当他人学习榜样的设计师不是个体，而是高级定制的设计成员。仅以2009年春夏为例，Jil Sander的长流苏让人无法不去联想Armani Privé 2007年春夏的扼领流苏晚装，Viktor & Rolf爱上了箱形轮廓和迷你包裙，双人组显然对Chanel的贝壳系列情有独钟。卯足了创意的Balenciaga虽然运用了能吸收反射光线的科技面料，但单凭肉眼判断，同样的蛋糕式裙摆，同样闪烁银光的耀眼外表，某些和Chanel 2008年春夏的金属涂层面料极为相似。Monique Lhuillier的礼服裙囊括了建筑衣领、束胸、波浪形褶裥、蕾丝刺绣等诸多细节，不好意思，Christian Dior在其发布会两个月前就率先将这些元素一网打尽。

Alexander McQueen总是被标榜成创意先锋，被形容是前卫时尚的开拓者，事实果真如此吗？2009年春夏他构建出埃菲尔铁塔廓形的迷你裙，但那些流线型的外观和服装所彰显的战士属性，你可以清楚地感受到Balenciaga鲜花盔甲的影响力。2008年秋冬是一场对英伦历史的展望，然而历史却总是惊人的相似，这场秀混杂了太多他人作品的痕迹，帝政高腰裙和压轴的塔夫绸长袍，在Christian Dior 2005年春夏高级定制中能找到其原始的灵感来源，迷你坎肩的玫瑰形轮廓则是John Galliano的招牌动作，2007年秋冬其个人品牌曾大量运用它。



古语道，擒贼先擒王，抄袭大军的领头羊当属Jean Paul Gaultier，这可一点都没有冤枉他。曾经他有过极度辉煌的时刻，叱诧时尚风云，但那也得追溯至千禧年前，纵观2009年春夏的成衣，“倒三角”肩部轮廓是在向Maison Martin Margiela致敬？还有那些乏善可陈的缠绕式设计，不假思索即能说出Rodarte、Givenchy、John Galliano曾经运用过这些元素，况且Gaultier的手法通通毫无新意，又何谈与他人抗衡的可能。

如果说高级定制曾经乃Jean Paul Gaultier久负盛名的力作，如今自然是三十年河东，三十年河西。在电影The Dark Knight的日本首映式上，女演员Maggie Gyllenhaal穿着橘红色的蕾丝鸡尾酒裙，许多媒体在第一时间误以为这是Prada的设计（因为面料／颜色／廓形都基本吻合），事实上它来自于Gaultier 2008秋冬系列。这种尴尬事件并非偶然，Marion Cotillard摘得奥斯卡小金人时穿的象牙白鱼尾裙刊登在各大媒体的头版头条，有舆论立刻指出Alexander McQueen在Givenchy时期就发布过类似款式。当然Gaultier的支持者也会为他鸣不平，认为这是“人红是非多”，是典型的酸葡萄心理在作祟，那么我们不妨追溯至几年前的设计。2002年秋冬和2003年春夏，Gaultier热衷于将本应穿在身上的浴袍裙、窄西装挂在模特胸前，这种创新的穿衣法则很符合Gaultier的老顽童本性，却压根不是原创，因为Olivier Theyskens在2002年春夏已经用过了。那一场秀上Theyskens主打这种造型方式，压轴造型亦是如此，尽管论气势和制衣水准，Gaultier的男装剪裁都远胜过当时Theyskens的维多利亚历史元素，但赤裸裸的抄袭行径仍是无法改变亦无法回避的事实。

然而是以至此却并未结束，Jean Paul Gaultier屡次将其曾经发布过且未经任何修改的作品重新搬上T台才是最令人匪夷所思的。2003年春夏那场高级定制发布会是Gaultier设计生涯的分水岭，从那以后其创造力和影响力均逐年下滑，也正因此，这场秀仿佛是Gaultier最后的晚餐，反复咀嚼，回收再利用，乐此不疲。一袭裸色的乔其纱长裙堂而皇之地出现在2008年春夏的人鱼系列中，压轴部分的降落伞裙事隔三年后亦重登2006年春夏的高级定制舞台，只是原先的银质装饰物被替换成模特鼻梁上的一副墨镜；挂在胸前的珠片海魂衫、红白条纹的绉纱裙则不幸被降级为高级成衣，在2008年春夏的成衣秀上，前者总算规矩地穿上了身，后者更是雀屏中选成为这个海盗系列的硬广宣传单品。

在1990年代，Jean Paul Gaultier称得上是符号式的人物，他大胆提倡“内衣外穿”、“男女装混穿”，他的话语权，他对于流行时尚的指导性，在这个圈子都是顶级的，可如今怎么会沦落到这种田地？“绝对原创”变成一种奢望，妄图用旧作品偷换无法服众的新设计，这是以固执的自我方式去呼应如今对于古董衣的追捧吗？即使并非“滥竽充数”也同样是可耻的。

国有国法，家有家规，各行各业都具备其相应的行业潜规则。时尚界欣然接受对于经典的重现，就像Karl Lagerfeld对于Coco Chanel作品的提炼与加工，后生晚辈对于Yves Saint Laurent精神的继承，这种“复制”从来停歇，因为经典需要不断绽放在舞台上才能保存并留传，但这些途径绝对不等同于抄袭，不等同于剽窃同辈设计师的作品，更不等同于在自己吃剩的饭菜中大快朵颐。如今汹涌的金融海啸势必会挫伤时尚从业者的积极性，如若不从自身品牌实际出发，谋求更大的生存空间，反而沉溺于过去，或者企图寻求所谓的捷径向上爬，恐怕只会在危机的深渊中万劫不复。

古人云，“夫玄黄者，是为天玄而地黄”，“天玄”即为“黑色”，象征庄重、严肃、深邃和神秘。在西方传统文化中，黑色往往与死亡、邪恶联系紧密，人们在葬礼上着黑衣以表达对逝者的哀悼，吸血鬼、撒旦等虚拟意象往往也是在黑色斗篷下露出青面獠牙的嘴脸。然而，谁也不曾预料，黑色能够在圣诞之夜扮演诙谐幽默的角色，在电影The Nightmare Before Christmas中，荒诞派导演Tim Burton让万圣节的南瓜霸主绑架了圣诞老人，结果孩子们期盼的糖果玩具变成了缩小的骷髅头、爱吃圣诞树的蛇等诡异的礼物；Jim Carrey在电影How the Grinch Stole Christmas中化身为仇恨圣诞节的鬼灵精，盗走礼物以破坏圣诞气氛。这些歌颂黑色幽默的喜剧似乎在提醒世人：圣诞不仅只有红的吉祥、绿的希望、白的和谐，黑色同样占有一席之地。
 
在时尚界，黑色是广大Fashionista的挚爱。由Carine Roitfeld领衔的VOGUE PARIS，在每一季时装周都会上演精彩的黑色真人秀，乃名副其实的“黑色军团”。编辑总监Emmanuelle Alt钟意Balenciaga的黑色皮夹克，造型师助理Géraldine Saglio用窄西装搭配黑色乳胶Legging，Roitfeld用“性感、经典、冒险”概括自己的穿衣风格，而黑色无疑就是“经典”的代名词，Lanvin的鹅黄色降落伞裙，她会修改成黑色才穿，其他那些媲美于T台的装扮，例如Yves Saint Laurent的镂空铅笔裙、Christopher Kane的系带短靴、Maison Martin Margiela的大垫肩西装……无一不是黑色。

作为时装的缔造者，设计师自然深知黑色的重要性，这是他们百试不爽的法宝。Chanel将黑白双色视为品牌精髓，Alber Elbaz，Christopher Bailey，Miuccia Prada，Raf Simons则会在某一季打造一个黑色占主导的完整系列，倾注自己关于时装的思考，展现非凡的制衣水准。时装语言关于黑色的最广泛定义莫过于哥特风格，它和黑色俨然是一对孪生兄弟，其表达手法直截了当，并且直击人心。巴黎时装周的舞台一向是黑色最活跃的地方,设计师纷纷以哥特风格作为切入点。Rick Owens热爱哥特风格，他的发布会被描述“听得见丧钟的声音”，弥漫着一种压得人喘不过气的黑暗色调。Owens的作品并不难解读，他通常在保持黑色不变的前提下，为哥特风格寻找一种依托的表达方式。这可能是着重于面料而忽略其他，青睐皮草、皮革的黑色原始质感；抑或是对于服装造型的全新搭配，将哥特的黑暗与嬉皮的无规则混搭巧妙地糅合在一起；更有甚者是塑造出一种颠覆性形象，修女着黑衣却袒胸露背，窥视她们被压抑的内心世界，挑战世俗传统的禁忌。

如果说Rick Owens乐于表现黑色暗涌下的神学理念，那么Alexander McQueen则对于黑色中涵盖的暴力美学情有独钟。在伦敦时，McQueen的作品时刻都写着“我很愤怒”，“黑色”并不单是服装的表象，它强调的是作品中弥漫着死亡的阴森氛围，表达了对大众审美的毁灭与再创造。2001年签约Gucci财团后以冠名品牌转战巴黎，McQueen不再扮演激进的异教徒份子，他大胆启用对立式造型手法---黑色蕾丝、绉纱连衣裙搭配同色系皮质腰封和高筒靴，如今看来并无创新，在当时却引起了不小的轰动，女人不再甜美可人，她们更像是S&M游戏中的女王，期待男人的俯首称臣。此后，McQueen在黑色中融入异国情调，黑色棱纹绸的束胸礼服在腰部横插一把斗牛士长剑，模特化身为巾帼勇士手扶剑柄出场；2007年春夏取材于爱德华时期的没落贵族，大量抓褶设计、手工蕾丝刺绣、花瓶式轮廓，让黑色具备宫廷风和历史的厚重感；2008年秋冬用耗时费工的面料来探讨黑色的多样性，拼接蕾丝的Boucle纱、激光提花的人造皮革，以及镶嵌雪花状水晶的安哥拉羊毛，一如既往地挑战高级定制的手工技艺。

“人们都把我当作哥特风格的设计师，事实上我不是。”Riccardo Tisci说这句话的时候是2007年2月底，那时他刚刚完成07年秋冬的发布会，任职于Givenchy还不足两年，对自己还抱有极大的期望，认为作品中出现的大面积黑色只是阶段性的现象，他不希望自己被定型，然而事与愿违，带有浪漫主义色彩的黑暗哥特风格如今已成为Givenchy的品牌特征。但不同于McQueen的美学式哥特，Tisci主张的哥特充满了强烈的华丽摇滚意味，夸张的重型撞钉按扣以Art Deco风格的排列格局装饰在黑色军政外套的表面，黑色皮夹克内嵌入大量尺寸各异的金属扣环，繁复的重金属项链在断点处与黑色衬衫、裙装有机地融为一体。这是Tisci的个人喜好，不过他并没有舍弃Hubert de Givenchy当年所营造的品牌贵族气质，只是趋向于取悦年轻顾客，手法更为妖娆华丽，这点在高级定制的塑造上可见一斑。来自美国旧金山的Traina姐妹是高级定制俱乐部最年轻的顾客之一。在今年年初Sidaction协会在巴黎举办的慈善晚宴上，她们纷纷选择了Givenchy 2008年春夏的高级定制。Samantha Traina穿的是裙摆呈花瓣状的黑色迷你裙，Victoria Traina则是白色礼服衬衫+黑色皮裤。

“恺撒大帝”Karl Lagerfeld说他“必须穿黑色，否则就会迷失在自己的世界里”。在他的作品中，黑色的地位之重当居颜色之首。2007年Fendi的长城秀上，压轴的黑色水袖旗袍乃地道的中国风；Chanel的成衣系列中，压轴秀往往都会运用黑色，拼接缎带的连身筒裙、裸背的棉质针织裙，以及星星图案的藏青绸连衣裤，款式面料会随着当季的趋势而更改，但颜色始终如一。Lagerfeld曾将他接掌帅印时的Chanel帝国比作“睡美人”，只是“已经睡得开始打鼾了”。他上任后实行大刀阔斧的改革，将裙摆提高20厘米，重塑品牌形象，让Chanel不再是中老年妇女的专利，但万变不离其宗的是黑白双色、山茶花，是珍珠、斜纹软呢。黑色在Lagerfeld手中仿佛脱胎换骨般褪却了邪恶的一面，只剩下极致的法式优雅。在2005年秋冬的高级定制秀上，所有模特都清一色黑衣亮相，她们穿着带有波浪形褶裥的塔夫绸立领斗篷、镶缝乌鹖羽毛的蛋糕形长外套、爱德华风格的梯形披肩、严谨的A字形修道服、领口呈喇叭状的曳地大衣、以及摩登的漆皮风衣 。然而众所周知，Chanel对于黑色的最成功诠释当属小黑裙。

那是Coco Chanel在1926年创造了它，并赋予其葬礼制服之外的别样风情。在电影Breakfast At Tiffany's中，Audrey Hepburn身穿Givenchy小黑裙的经典造型曾倾倒了无数观众，也被时尚界奉为永恒的ICON从而无休止地复制。在今天，小黑裙易于搭配且永不过时，绝对是衣橱里的“最佳投资”。2005年秋冬，Lagerfeld用一袭装饰低腰蝴蝶结的气球状小黑裙作为Chanel的压轴演出；2008年秋冬是小黑裙疯狂复辟的季节，风格纷繁多样，Bottega Veneta的无肩带小黑裙，Prada的蕾丝小黑裙，Balenciaga的立体剪裁小黑裙，Chanel的燕尾式小黑裙……。另一边厢，部分设计师以未来感取代了小黑裙传统的优雅。你可以回想Angelina Jolie在电影Mr. and Mrs. Smith中穿的那件束胸漆皮小黑裙，展现的是一种“Killer Chic ”。Lanvin的小黑裙运用不对称剪裁手法，裙身朝斜45度突起，或者单肩垂直隆起，并与手套/袖子连成一线，女人收敛了自己的风情万种，呈现出坚强冷酷的一面。Yves Saint Laurent秀上的模特戴着碗状的黑色假发，抹着黑色的唇膏，穿着透明质地的小黑裙，就像是美苏冷战时期气势逼人的冷血女间谍，充当起令男人闻风丧胆的狠角色。

黑色，只有明度而无彩度，但不要天真地以为不经过仔细斟酌就能穿好它。若想在圣诞舞会上以黑色取胜，在一群红男绿女中脱颖而出，小黑裙自然是保守而稳着的选择。造型方式可以随心所欲，搭配皮夹克，追随当今军政风潮所衍生的“粗犷的优雅”；佩戴一件或最多两件首饰，唱响拜物主义；或者借鉴T台的设计理念，用黑色搭配湖蓝墨蓝等冷色调蓝色，然后加入一些立体花朵、几何图案混搭等2009年春夏的流行元素，黑色的魅力能够得到最大限度的发挥，走在时尚顶端，其实并非遥不可及。